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Comment obtenir le son vintage ?

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Nous entendons souvent les mots « vintage » et « rétro » dans le design, la mode, la culture et bien d’autres domaines créatifs, mais que signifient-ils dans la musique ? Le mot « vintage » désigne un objet de grande qualité datant du passé et ayant traversé les âges, tandis que le mot « rétro » fait plutôt référence à un objet datant d’une époque spécifique, il y a 20 ou 30 ans, dont il reproduit les qualités sonores et émotionnelles aujourd’hui. Cet article étant davantage lié à la production de musique électronique, l’histoire remonte aux années 1970, car c’est seulement à cette époque que les synthétiseurs, les instruments électroniques et les effets ont été introduits sur le marché de masse. Maintenant que le temps est passé, le terme « rétro » dans le domaine du son électronique commence à prendre un nouveau sens.

Comprendre le concept du son vintage

Derrière les mots vintage et rétro se cache le concept de « cycle de la nostalgie », qui signifie que certaines esthétiques vont aller et venir au fil des décennies, passant d’une tendance à l’autre (comme la coupe de cheveux clichée et la largeur des jeans). Bien sûr, il y aura de nouvelles choses qui évolueront au fil du temps, à mesure que la technologie et les ressources progresseront, donnant lieu à des créations innovantes qui étaient auparavant inimaginables.

Mais il est également vrai que certaines modes disparaissent dans un cycle de « boom-bust », et c’est également vrai pour la musique. Une grande partie de la musique pop d’aujourd’hui utilise les sons emblématiques des années 80 et 90 comme un hommage des artistes et producteurs contemporains aux pionniers des générations précédentes, tandis que les éléments « intemporels » de la musique sont transmis, portés et ravivés par une nouvelle génération de musiciens.

Alors, à quoi ressemble exactement le fait d’être rétro ?

Dans le cas de la musique électronique et de la dance music, le rétro fait référence à l’époque où les synthétiseurs, les guitares vintage les boîtes à rythmes et les échantillonneurs sont arrivés, et où de nouveaux outils sont apparus pour faire progresser cet art. La musique post-disco, la techno émergente et le hip-hop reposent tous sur des instruments électroniques et le matériel musical de l’époque, avant le développement des ordinateurs et des logiciels musicaux modernes.

Des circuits et des tensions analogiques ont été utilisés pour produire différentes tonalités, souvent avec un bruit de fond incontrôlable. Bien que ces bruits aient été considérés comme des défauts à l’époque, les producteurs les considèrent aujourd’hui comme une partie importante de la « chaleur analogique » et recherchent activement des moyens similaires de rendre les enregistrements plus anciens.

Il existe de nombreux exemples d’équipements qui ont influencé l’évolution des genres et même favorisé l’émergence de nouveaux genres. Les plus évidentes sont peut-être les boîtes à rythmes TR-808 et TR-909, qui ont toutes deux fait partie intégrante du développement de la musique de danse et de hip-hop. En raison de limitations techniques, ces appareils avaient une fréquence d’échantillonnage inférieure à celle des équipements modernes et apportaient aux sons de percussion une qualité confortable et nette que l’on pouvait obtenir en abaissant la fréquence d’échantillonnage.

L’émergence de ces accessoires vintage, qui ont fait progresser l’industrie musicale, a souvent été aléatoire. Le synthétiseur TB-303 par exemple a été initialement conçu pour imiter une véritable guitare basse, ce qui permettrait aux musiciens de programmer un accompagnement et de l’utiliser lors de performances en direct. Mais quiconque a entendu la TB-303 n’a pas pensé qu’elle sonnait comme une guitare basse, et le produit a connu son échec commercial lors de sa sortie en 1981.

Cependant, le TB-303 d’occasion a été récupéré par les producteurs de musique électronique et son gros son est devenu une caractéristique de l’Acid House et de la Techno. Cela montre que la route du développement est souvent sinueuse et que de nouveaux sons passionnants peuvent émerger de la sérendipité du passé ; l’échec peut être transformé en succès si nous regardons les choses d’un point de vue différent.

Tons nostalgiques, technologie moderne

Ce qu’on aime et ce qu’on déteste dans le matériel vintage, c’est son imprévisibilité ; il n’y a pas deux pièces de matériel au monde qui sonnent exactement de la même façon. Les différences subtiles dans la construction physique, combinées à l’usure du temps, font que les performances du matériel fluctuent et deviennent progressivement « imparfaites », ce qui confère un son unique aux équipements analogiques et leur donne un aspect « organique ».

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Nous vivons une époque étrange où les artistes et les producteurs ne recherchent pas la meilleure et la plus propre qualité d’enregistrement, mais gravitent plutôt vers le type d’« imperfection » qui donne à la musique du passé sa profondeur et son caractère. Alors que les méthodes modernes de production numérique permettent d’obtenir des résultats parfaits, cohérents et prévisibles, nous constatons que ce n’est pas le facteur fondamental pour créer la musique la plus puissante et la plus contagieuse.

Le son vintage, comment l’obtenir ?

Si vous voulez que votre musique sonne plus vintage, la réponse la plus évidente est d’utiliser du matériel vintage. Cependant, si vous n’avez peut-être pas l’argent, l’espace ou le temps nécessaires, et certains sons vintage proviennent de techniques de production et de traitement plutôt que de matériel. Il existe de nombreuses façons d’obtenir une sensation de vintage avec des plug-ins, et si votre musique semble plate, ou trop vieille à cause de son manque de mouvement, ajoutez de la profondeur avec du bruit, des effets et des matériaux organiques en vrac.


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